转“舒存”（老唱片）的一个帖

ljw100

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我因要寻找音源，在搜索中发现了‘极品人生’论坛http://www.hiendlife.com/forumtree.php?f=12&page=1&sort=lastpost&order=&pp=20&daysprune=-1
那里聚集的多是一些极高烧者。在看帖中又发现了ID为舒存的帖子，因太长，就不抄录了，有兴趣者可去看看。

http://www.hiendlife.com/forumtree.php?f=12&&sort=lastpost&order=&pp=20&daysprune=-1

[ 本帖最后由 ljw100 于 2009-1-2 12:47 编辑 ]

小白

这个论坛须少去,是国内玩得最HI-END,最贵的音响论坛.  到那一看方知自己是穷鬼.

ljw100

第一个链接是主论坛的首页，后一链接才是“舒存”帖子所在页面，目前在第25页。

在第24页上，还有“舒存”的另一个帖子，我觉得也非常好。

玩HIFI，要玩到极端，确实非一般人所能承受。但“舒存”在那两个帖子中没谈器材，而是谈“常识”。

小白

这个帖子写得很好,容我把它抄过来大家一读.


与监听相关的话题 (作者:舒存)



现场的“温暖感”是什么？以前反复说过，他是主观听音的结果，但他是客观的东西，是很难用话筒拾音的指标。具体说，他的产生是因为原声乐器的频响，多是从10KHZ开始逐渐逐渐衰减的，这个变化过程是很微妙，也是人工残响无法模拟的。因此古典音乐一般录音都是一次完成，尤其是大乐队很少是后期混音合成的。

这个东西，录音师是很在乎的，他们会运用技术尽可能来实现。录音师在工作时候，都要参照一个好的录音，以前有报道，Philips到北京给国交录音，就带了一大堆参考录音。如果不依据现场的听感对照参考录音，他们凭据什么做到声音的高保真？

一个是录音的场地，即录音棚，一个是录音的控制室。录音棚听音响为什么不是最好的？这个问题似乎一两句话很难说清楚，我们可以换个角度来看这个话题。托斯卡尼尼是个不讲究录音的人，当年美国老为了给他做好录音，专门盖了一个录音棚，结果他十多年在这里的录音都非常糟糕，这个录音棚也因此臭名昭著。

喜欢古典音乐的朋友都知道，很多伟大的音乐家都畏惧录音棚，包括富特文格勒、拉赫玛尼诺夫等一大批人，生前他们都千方百计拒绝进录音棚做录音。他们之所以畏惧录音棚，因为录音棚让钢琴家找不到“感觉”。这个“感觉”，这并不是心理作怪，主要是人的生理特性。

我个人的体会是，这种空间会感觉“阴”和“冷”。钢琴家畏惧录音棚的，更不是少数。在这种空间，他们听不到习惯的琴声。换个角度说，在录音棚，那里的声音不是我们听习惯的声音。从这个意义上能明白，录音控制室听音响与家庭的差异，也更容易明白，为什么古典音乐的录音，最终放弃了专门的录音棚，都转向寻找好声场所。

日本音响专门写手菅野冲彦经历的两件事，看很有代表性，也能说明问题。他的短文原载日本《音响季刊》154期，他在文章中说，“前些日子，我与一位音响狂热的朋友一起去听演奏会，回家的途中他说，“现场高音不足……”听他这么一说，吓了我一跳。我坐在他旁边，一边听一边想，现场的声音感觉好象有无限的……

在日本举办音响展，大对同一个扬声器单元的表现出现了严重分歧。菅野说，“分成了感觉优秀的与感觉不怎么样的两派”。觉得“不怎么样的” 甚至有的具体提出了数据为左证。但是，事后有人专门再做检测，这个扬声器很优秀。

菅野说，“我觉得那些人，是因为耳朵已经习惯自己系统单元独特的音色和音触，所以才会觉得高音不足，那是这些人的耳朵已经习惯平常听的多声道扬声器系统的高音，而且音响的知识和体验有限，结果产生错误的判断。简而言之，已经习惯高音是吱吱叽叽，这种类型的高音音响狂热者，就会觉得这种高音延伸顺畅，觉得自然的音色和音触美中不足。”

跟你丫死磕

菅野说，“我觉得那些人，是因为耳朵已经习惯自己系统单元独特的音色和音触，所以才会觉得高音不足，那是这些人的耳朵已经习惯平常听的多声道扬声器系统的高音，而且音响的知识和体验有限，结果产生错误的判断。简而言之，已经习惯高音是吱吱叽叽，这种类型的高音音响狂热者，就会觉得这种高音延伸顺畅，觉得自然的音色和音触美中不足。”


呵呵，这里也有不少

小白

继续抄录舒存的原帖:



以前陆续都有谈到录音的话题，我也准备以此给各位老兄灌灌水。发烧友都说音响是还原录音里的信息，怎么知道录音里有那些信息？知道中国录音有那些独特的信息？知道老外怎么看我们的录音？

每年在广州都要举办一次录音作品的评选活动，主办人把它命名叫“声响中国”活动。2006年是第二届，《留声机中文版》杂志连续小篇幅刊发“声响中国”的内容。11月号刊发了汉斯•尼尔森（Hans Nielsen）的专访。在访问中，他对这次在广州举办的第二届“声响中国”活动作所做的评论部分，特别耐人寻味。

汉斯•尼尔森，丹麦录音师，这次“声响中国”的评选活动特邀嘉宾，评委会主席。

他说，“如今，录音的概念越加模糊了。因此，评选中出现了若干通过电脑波表合成的电子音乐。这类音乐的生成，无需借助常规的录音麦克风拾音和后期缩混，属于MIDI类型。10岁的小孩都能做，读着使用说明，按几个按扭，就有了音乐。许多世界音乐和流行音乐，都是用波表合成的。”

他提议，“在以后的比赛中，为电子合成音乐和常规录制的音乐配备二组评委，不失为解决之道。”

汉斯•尼尔森讲述了中西录音理念的不同。他把这些不同归于审美差异，不是良莠之分。他说，“比如在现场录音，乐队演奏时候，中国录音师偏爱老式的做法，把麦克风放置于很远的地方”，他喜欢近距离拾音：“传统的做法让你感到乐队的庞大，现在流行的则是声相定位，让你清楚地辨别大提琴在哪里。”

汉斯•尼尔森所举的另一个例子是，“亚洲录音师后期制作时加入人工混响。一款录音棚内录制的管弦乐中，每当有打击乐或弦乐组的顿弓出现时，人工混响便特别突兀。有人会说是录音棚的混响不够，不是录音师的错。这恰恰是录音师的责任。”

他说，“人工混响在流行音乐和摇滚音乐广泛使用，是在大约25年前。国内的录音师视之为宝，结果，大部分录音都像在澡堂或厕所录制的。”他对音乐中打击乐的力度也甚为不解，觉得打击乐的力度太强，小鼓的音量比低音大鼓还要高。

发烧值得关注的录音，就是“声响中国”评委会主席尼尔森所说的，并不是所有的录音，都值得探讨的。有价值有意义的，仅是一部分音乐录音，即原声录音的音乐，而非电声制作的音乐录音。通俗的说，就是古典音乐与爵士音乐为主的音乐录音。

尼尔森说的“如今录音的概念越加模糊了”，其实是批评我们的录音界、音响界，自己把一些简单的东西搞复杂、搞混乱了。他说“因此，评选中出现了若干通过电脑波表合成的电子音乐。”他的这些话听来，似乎在告诉我们，用电声制作的录音，根本不值得这么专注，更不值得来评奖。

目前有不少专业的人，也十分看中电声录音。如何处理中国的这一现实矛盾？汉斯•尼尔森有一个建议，分二个班子。这是个中肯建议，也是个嘲讽。

这里涉及到了几个分歧点：音响重播的是音乐，是现场，是录音信息，还是自己需要的声音？换言之，音乐音响的重播是否有标准，他是客观的，是唯一的吗？

为了简单明了一些，我愿意接受“音乐音响”这个观点。如果要界定一下，这个“音响”更多的是指原声乐器自然发声的音乐音响。

几乎所有的音响BBS都有一些人持有相反观点，为此经常有专门的争论。立体声 这里前一阶段，斑竹电视也提出了探讨这个方面问题的一个观点。这个话题的重大雾区，有几个方面原因，但主要还是我们都不了解录音，不了解现场。

专业的领域，一般把目前的立体声聆听分为二类，耳机立体声聆听和空间立体声聆听。简单说，一类是用耳机的，一类是在房间里用音箱的。

我在电视他们的立体声论坛 http：//lts.bbs.net 谈过这个话题，并转贴了一些图。这些图也许一下子不大看得明白，请允许我做一点简单又基本的说明。

录音的过程，最简单可以分为前后二个步骤，即前期录音和后期处理。

前期录音，一般简单说他的过程是，话筒拾音→调音台→多轨录音。后期处理简单说，包括的过程是，多轨录音机→调音台→立体声(双轨)录音机。

前期录音的难点,说白了就是话筒摆位；后期处理比较复杂。说的简单又直接，就是把若干单声道的信号经过调音台的声像电位器，按照比例“分配”到左右声道，同时加载必要的声场信息。这个过程按专业的叫“缩混”。

后期处理，可以说是录音师对前期录音素材的加工处理.如声像的分配，各个声部音响的平衡，音色的调整和动态的调整，还有二点是体现录音师个性的处理，一个是透明感的表达，这个实在说不清楚；另一个是对各类特殊录音现场空间声音的再现，也有人说就是声场塑造。

多轨录音使用的周边设备主要有，频率处理用的均衡器、激励器，时间处理用的延时器、混响器、多重效果处理器，动态处理用的压缩器、限幅器、扩展器和降噪器等。

现在音响市场90%以上的是采用多轨录音。从音乐音响的录音角度来看，内容主要是流行音乐、电影音乐等，也有一部分古典音乐录音，因此也可以说多轨录音，基本成为标准的模式。

所谓多轨录音，从根本上来说，他是强度差录音的一大类。强度差录音相对来说，是属于一次合成的录音。但多轨录音不是一次合成的。他最大的不同是，前期可以对各声道分期录音，即所谓分期分轨；也可以声道同期进行，即所谓同期分轨。

分轨的录音,一般前期声音收录的是单声道，立体声是依靠后期处理出来的效果。他最终的每一个声道在立体声重放中的位置，都是录音师后期处理出来的。从这个意义上不难理解，为什么有那么多风格迥异的录音，为什么总有人想美化声音表现自我。

立体声录音方法，简单说主要依据的是人耳的听感特性。人的双耳都有固定的距离，一般在20cm左右，如果声源偏离了听音者正前方的主轴方向，达到两耳的声音就会产生差别，人的听觉系统根据这个差别就会判断声源的方位。人耳的距离差别是因为4个物理因素产生的，就是声音到达两耳的时间差、强度差，相位差，音色差。利用这个差别,产生了不同的录音方式。

从音乐音响的角度看，常见的多轨录音，最大不足就是录音师人为造作的太多，声音容易不自然。大概因此，音乐音响的录音，尤其是乐队类的录音，更多的是采用一次合成的前期录音。

话筒是录音中，拾音的唯一工具，他有多种类型，也有多种不同分类。按构造分类有电动式、电容式、电磁式等8大类；按方向性分类有全指向、8字形指向、心形指向等6大类；还有其他的不同分类方法，如适用范围的分类，录音用的，声音测量用的等。话筒的分类很复杂，一般关注的是：不同话筒的指向性，摆位时候话筒主轴张开角度，话筒之间的间隔距离等。这些决定了各种不同摆位形成的的20种以上的基本拾音方法，主要可以分为几个大类。

AB式，时间差拾音，其中最著名的是Decca Tree“笛卡树”。XY式，强度差拾音。混合式，时间差与强度差的混合，主要有NOS， EBS， DIN， RAI， OLSON ，ORTF等多种。这些方式，从声音高保真意义上来说，各有长短。

话筒选择直接关系录音结果。以人声来说，录音与扩声选用的话筒有不同，尤其是流行歌手使用的话筒，习惯叫“近讲话筒”。近讲话筒与普通会议用的语音话筒是不一样的，他不会因为太靠近歌手的嘴唇引起低频提升效应，就是说不会发出“噗噗”声。

近讲话筒的收拾音距离一般在0.5-5cm之间，特别适合流行歌手的主要原因是他对声音的修饰作用。他的好处是，提升了低频和高频，使得歌声饱满明亮动听；由于灵敏度稍低，避免了现场的嘈杂声；防风的作用和良好的避振作用，可以避开气声和摆动带来的不良影响。

近讲话筒的作用发挥的如何，其实还与调音台、调音师调音的好坏关系更大。很显然流行歌手的声音是被塑造出来的。这种话筒不适合用于美声的拾音，也不适合用于其他原声乐器音乐的拾音。

与话筒密切相关的是记录的方式，数字录音是眼下最时尚的词。很多人喜欢数字的录音，尤其是硬件发烧的，因为声音清晰干净，但听音乐的人基本都不大喜欢。为什么？说来有趣，数字的录音，对音乐录音来说，声音却不是最好最真的。我记得国内一位知名的音响人士这样说过。他们做过几张国内享有好评的录音，他说，因为录音最初的拾音，所采用的是模拟的技术。

他说的是，录音使用的话筒，工作状态是依靠前面振膜在外界声波引起空气压力变化下振动，这个过程被认为是模拟的。因此有人也说，这是现在数字技术与模拟的矛盾，并推断说数字录音不能完整记录原来的信息。如果这个推断可以成立，也许可以说，数字录音丢失了信息，因此不如模拟的好听。

世界上著名的话筒生产企业有德国的，奥地利的，美国的等，其中最受录音师欢迎的品牌有Nenman，Schops，AKG，EV，B&k等。我们稍微注意就能发现，不同品牌的话筒，适合的音乐类型是不一样的。录音师有个基本共识，森海塞尔和AKG的，对古典音乐的拾音更为合适。

中国的录音师都非常崇拜B&k4040，并以拥有和使用他做录音或扩声而自豪。这款大名鼎鼎的话筒，价格高达1万多美元。请看在邮电出版社《唱片里的音乐与录音》，作者陈小斌介绍了他们的观点。

北京的录音高人，如陈小兵和邵兵等，非常喜欢B&k4040。他们在与美国泰拉克首席录音师杰克赖纳访谈时候，详细谈到了这个话题。他们告诉杰克赖纳，自己并不喜欢水星的录音，更喜欢泰拉克的录音。也许因此他们很关心杰克赖纳选用的话筒。

杰克赖纳的观点，B&k4040价格很高，特点是“清晰”，“常用来做 爵士钢琴录音”，用来做古典音乐录音，并不是最合适的。杰克赖纳说，古典音乐录音，尤其是做乐队录音，他们选用的是Schops的话筒，因为“声音温暖”。

香港有影响的冯炜国接受《新音响》采访谈到自己选用话筒的体会。他说根据自己的经验，“录打击乐最好选B&k咪，录弦乐就是森海塞尔和旧的AKG更好”（详见《新音响》48期12页）。

由此可见，话筒的选用，与拾音的目的是密切相关，更与录音师对声音的认识与追求密切相关。也是我们理解和认识表现与再现需要注意的。

从业内角度来说，把录音作为作品没有太大的争议。因为一个录音从前提到后期都充满了录音师的智慧。这个智慧，可以理解为一种艺术的东西，特别是它带有的创造性。

为了便于说明这个问题，我们从最能体现录音师个人智慧的后期处理来看看。因为前期只是音乐的“素材”，后期经过处理，才能说是音乐音响。

一位从事录音工作的朋友具体谈到多声道的后期处理，这个过程是“把各轨信号分别输入到调音台，再分别进行均衡、混响、延时等声处理。按节目要求再进行音色、音量、声像的艺术加工，这个过程称作合成节目。”

所谓后期处理，也被称为后期加工处理。这里的“艺术”、“加工”，似乎点出了其中的要害。后期处理复杂的是多声道立体声，除了音乐之外，还应该包括立体声效果和场所的声学特性等。

例如后期的声像分配，就是把前期录音根据要求分配到立体声的左右声道。他要求定位准确和稳定，不能随着强弱变化产生移动。再如录音中的空间音响特性，需要以来声场处理来实现。

由于音乐的形式、演绎的风格以及场所的不同，声场变化很大，所以临场感是不同的。特别是音色的美感每个人的主观感受不同，这些都形成了后期处理时的多变。从这个角度上说，后期处理给录音师提供了“创作”的天地。

某种意义上也可以说，录音是录音师创作的作品。

但是，我更愿意接受这是一种技艺的概念。过分强调这类包含技术的艺术性存在，不利于我们理解和认识它的本质。录音师的所谓创作，毕竟是有前提的。这个前提就是高保真。从这个根本点来看，录音是依据设计而规范生产的产品更为准确。

原声乐器的音乐录音与电声录音是不同的，他们属于不同的概念。我的偏见，电声没有真正意义上的高保真录音。以电声的架子鼓为例，舞台上他的声音是通过调音台扩大出来的；在录音棚是被隔离在另一个小空间拾音，有的需要做上下二个点来记录的。

古典音乐的录音则不然，他们的声音是依靠音乐家人为控制实现的，录音只是记录人为控制声音的这个过程。有些录音尽管为了求得更好的效果放弃现场而选择录音室完成，但通过调整同一空间里各声部的位置达到声音的最佳效果，依然不能通过分割不同空间、甚至控制调音台去控制声音变化的。

电声设备记录声音的特点是诚实的，但是死板的；人耳听音的特点却是综合的，人性化的。例如录音如何记录场所的声学特性就是个难题。为了使录音接近人性化，根据需要借助设备做适当的“矫正”，为录音人员必须的手段，既有前期拾音，也有后期处理。

如何才是接近人性化呢？这就涉及到一个标准和规范的问题，但录音偏偏很难做到统一的标准和规范。有的录音师接受德国人的一种观点，无论手法如何变化，声音怎么处理，录音工程师首先考虑的是声音是否“合理”，主观追求的是声音的再现。由于大家对“合理”的认识不同，更因为再现的办法不同，形成了不同的风格。

音乐录音是努力去接近现场、接近真声，并不是简单的去做声音调整。从以往前人录音的现实经验来看，人工成分越多的音乐录音，声音越假，离现场离真声越远。因此有的录音人告戒后人，尽可能少做调整。这个过程有点像临摹，写的不好的字，越描越黑、越难看了。

现在普遍是少话筒的收拾音，其中古典音乐的录音，大多是一次合成的。《音响季刊》152期还有长文章，具体分析到DG一个时期里用多话筒做的一些录音，声音效果不佳。今天我们都知道，EMI出的切利比达奇的那些现场录音，从声音上来说，彻底压倒了DG精心为卡拉扬做的那些录音。

有的朋友认为录音与监制是分工合作关系。音响论坛192期介绍过“蓝音”录音师的故事，大多数人认为是这个录音师建立了“蓝音”的声音，但录音师把功劳归于监制人。“他说，莱旺所追求的是真实的临场感，以及置身爵士俱乐部现场的气氛。一开始录音都不能让莱旺满意。经过多次沟通与修正之后，才达到赖旺的理想标准----人人称颂的“蓝音之声”才得以确立。”（详见303页）

很多人认为，音响要还原唱片里的信息。问题是我们在重播时怎么知道唱片里记录了那些信息？如不同的琴声，从音响系统中辨析，比现场要困难多了。特别是小提琴录音，失真很大的，像不同年代的斯特拉迪瓦里琴有什么区别，他们和吉苏琴的区别，瓜乃里与吉苏琴的区别，很难从录音中听出来。

很显然，要辨析各种原声乐器他们的不同声音，一种办法是到录音室，用返送监听系统认真听听录音。所谓返送监听，就是音响工程师把确定的音响送还给音乐演奏家鉴别的声音，这种声音是比较接近我们希望通过音响系统欣赏时所追求的声音。这么做确实不失为一个好办法，但首先要保证录音的完美性与高保真度。

另一个简单又有效果的办法，是好好去现场听一听真实的琴声。要想知道贝森多夫琴声，除了到现场听，还要对比听听真实的斯坦威琴声，这样就能知道“高音的金属弦声”非常突显是什么意思。同样，要想知道各种小提琴的声音，仔细听听现场，对比对比，自己做结论并不困难。

鉴别不同录音，鉴别不同风格，鉴别表现与再现，归根到底，还是离不开对现场真声的聆听，这样才能把握录音究竟是“实况录音”还是“录制实况”。从这个意义上来说，现场是聆听必须经历的第一道关，也是鉴别音乐音响重播好坏必须经历的一道关口。

所有录音师都不能否认，自己的建声与现场聆听有密切的关系，因为现场是他拾音的唯一依据。从古典音乐的录音来说，唯一的声音标准只能来自现场，并不是来自会发声的原声乐器本身。这里说的标准，与现场的建声条件和演奏者的个人差异不是同一概念。

涉及音乐和音响的强人中，并不是没有人可以记忆住现场丰富的音响和转瞬即逝的声音，而是熟悉现场声音的人，或擅长聆听的人，他们可以记忆住。这种记忆不是对每个人都公平的，很多人留下的只是片断印象，尤其对现场不熟悉的人，留下的可能只是模糊的痕迹。到现在还没发现不听现场的人，可以搞清楚现场与录音的关系的。

古典音乐为什么那么强调现场？因为它所使用的原声乐器的最优美的发声都离不开一个特定的场所，它所演绎的音乐有的就是为这样场所而创作的，这个场所就是现场。这里的音乐，这里的声音是最完美的，录音无法不选择它。

录音和现场的微妙关系，毛病不是出在现场，而是出于录音。因为录音离不开现场，因为录音无法还原现场的声音。现场录音为的是录音的需要，不是现场的需要。因为这种差异的客观存在，所以我们不是以录音去听现场，只能依据现场来听录音作参照，找感觉做判断。

录音师无法确保他知道自己的录音收了所有的信息，但他通过各种监听，知道自己追求的、知道自己保留的那些声音记录的情况。现实中会出现意外的情况，我们的系统还原唱片信息时候，有时还可以听到录音师没有注意到的声音，甚至是录音师避免收录的信息，如录音师并不喜欢听出他摆放的麦克风位置。

从这个角度不难理解所谓音响追求的各种说法。音响与其说是还原唱片里的信息，不如说是还原个人自己需要的声音：个人对现场声音的认识和理解。正是从这个意义上来说，音响是没有统一标准的，但对于古典音乐的欣赏者来说，他的客观标准是再明确不过的了。

很多发烧友以为现场好就是气氛好，其实是个大误区。现场好是现场的声音很美，这种美是目前录音技术无法再现也无法替代的。傅聪说听录音不能证明什么，一定要听现场。如果仅仅听录音的话，傅聪与刘诗昆殷承宗没有什么区别，甚至很多人还觉得傅聪不如他们爽；但听现场，他们水平却是天地之别。即使再不懂钢琴的朋友，立刻会从傅聪现场独特的琴声中感受到钢琴的靓声。如果录音真的超过了现场，大家都听录音就可以了。原声乐器的声音，难以用电声技术复制。

由于无法复制出现场那么美妙的声音，录音师只能依据自己对现场声音的认识和理解，尽可能再现现场的声音，对无法再现的则采取技术补偿。在这个过程中，有人坚持再现，有人推崇表现，不同的音响美学观，形成了不同的音响流派。从这个角度，可以理解录音的多样化和音响的个性化。

[ 本帖最后由 小白 于 2009-1-2 13:09 编辑 ]

小白

简单而浓缩地说,在这么一点上,我非常支持作者的观点:  

目前的电声技术(录制-重播环节),远不能达到"复制现场美妙声音"的地步. 所以缺少的信息,缺少的美感,只能靠后期去"技术补偿". 录音师会在制作唱片时做这种补偿,一些HI-FI厂家做的也是这个事,即在重播环节中"补偿". 正因为各个设计师采取的"补偿"手法不同,才造成HI-FI,HI-END器材那么百花齐放,特点不同的局面. 如果整个环节中什么都不补偿,追求所谓"原汁原味"(注意这是骗人的),那出来的重播效果是远未能使人满意的,是缺不少东西的.

[ 本帖最后由 小白 于 2009-1-2 13:24 编辑 ]

pipeorgan

观点明确，分析的也很清楚了。

kell

极品那边、几乎都是过去在LDH论坛上的持金侠客、、、、

ljw100

没想到白版不辞辛苦全文转抄，谢了。

关于“中性”、“高保真”、“原汁原味”等说法，我觉得，承认自己把玩或制造的器材或多或少都是“艺术美”是一种更坦然、更诚实的态度。

知道古典现场是“温暖”的就行了，没有必要一定要去追求这种效果，毕竟玩HIFI的目的是让自己高兴。但有了这类常识，可以少误导别人或被别人误导。

gddg

原帖由 小白 于 2009-1-2 12:46 发表
这个论坛须少去,是国内玩得最HI-END,最贵的音响论坛.  到那一看方知自己是穷鬼.

爱乐爱乐

舒存前辈可是以前我们论坛的做客嘉宾，LZ眼光很毒哈

yangmetal

好帖，有些观点和概念更明晰了。

btw，真佩服能写这么多的人……感觉都能把自己绕进去

musictigerhan

写的真好。