不少演奏家包括大师陷入的误区——谈现场和录音室的差别

小白

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这里谈一些个人感想，不愿意提具体的人名了，只说一个“现象”：就是相当一部分演奏家，在制作录音室的唱片时，显得过于冷静和追求“标准”了，结果出来的录音制品，和本人的现场相比，缺乏感染力和色彩感。有时简直判若两人，在Studio里面的录音制品，和现场，简直象是完全不同的两个人。

这怎么解释？我觉得可以解释为演奏家在录音室里的心态或观念是有问题的。他可能太想在录音室里留下一套“典范级”的标准演绎，结果失去了自己在现场表演中的个性、风采、还有自然的音乐表现力。把自己原本很有表现力的音乐演绎变成一种没有生气的“标本”。  

小白

在唱片出现以前，演奏家的全部艺术生命和名誉都建筑在现场表演。现场表演就是一切，没有其他。但唱片工业的出现和发展完全改变了这种状况。演奏家的艺术生命和名誉一分为二了，变成两个部分——现场表演，和唱片录音。演奏家表演的时段分为两个——在舞台上，和在录音室里。这两种不同的表演环境，带来了不同的心理。演奏家在舞台上，和在录音室里，心态可能也是有差别的，甚至有明显的差别。

在现场的时候，演奏家会更注重“表演”，现场表演难免有错音，Ok大家都理解，所以演奏家不会刻意去求稳，求没有错音，会把注意力放在其他艺术表达方面，而在录音室里制作唱片的时候，我们都知道当代的唱片录音都必须是没有错音的，技术绝对没有失误的。在唱片里留下明显的错音、不完美的演绎，简直是“耻辱”一样的事情。演奏家会很注重演奏的精确性和“标准性”，力求留下一份作品的“标准演奏版本”。但这种心理其实是损害演奏自发性和自然性的。好的演绎应该是在放松的心态下自然而来的，而带着“不能有错音”“留下标准范本”的心理，绝对是有损演奏自发性的。我甚至觉得这种心理（在唱片上留下一个优秀的标准版本），其实是错误的，是有损艺术表达的。很多和现场表演完全不同、判若两人、听起来端端正正但缺乏感染力的唱片，都可能源自这种心理。

小白

从本质上说，我觉得演奏家传统的表演舞台，即现场演奏，还是音乐演奏艺术的“根”，是其本原和真正焕发生命力的地方。在录音室里，假如演奏家怀着那种“制作完美唱片、留下优秀版本”的心态，那么实质是反艺术的，是很难在这种心态下发挥出自己艺术个性的。在某种程度上，现代录音室可能是抹杀艺术生命力、感染力的一个存在。

当然，能够调整好自己心态，在录音室里也进行自发、自然表演的，也还是有的（我举一个比较突出的例子——女大提琴家杜普蕾），但这样的艺术家并不是多数。很多演奏家其实在录音室里就变成“另一个人”，一个没有舞台上那种光彩、个性的人。留下的Studio Recording也无法反映出他们在舞台现场所展示的艺术魅力，而只是一种缺乏生气的“音乐标本”。

近年来在资深乐迷中间出现了一种趋势——相当多的乐迷开始追求收集和欣赏现场录音，而且认为现场录音经常是好于录音室制作的。我前面的分析也是对这一现象的解释。确实从我自己的经验来看，很多现场录音有着录音室制作所没有的生气、热情、自发性，而确实有不少演奏家甚至大师，他们在录音室和现场简直分割成不同的两个人，有时反差之大令人惊愕，这种现象也需要一个解释。

小白

其实录音室这一表演环境的问题，在录音工业出现的早期就已经引起了注意。20世纪初的很多艺术家，是不肯录音的，或者尝试了录音之后觉得失望，拒绝再进行录音的。当时一个常见的反对意见就是：演奏家不习惯对着一个话筒表演。Ok我觉得这是一个很好的理由。确实，我前面说了，在出现录音之前，演奏家的唯一表演形式，就是在舞台上对着听众表演。对着一个话筒表演，对着一部录音机表演，是完全不同的演奏形式。早期的艺术家们觉得不适应是很正常的。录音工业最早的一个著名制片人Fred Gaisberg，他的主要工作就是说服艺术家走进录音室。

当然，到今天所有的演奏家都适应了，而且除了传统的巡回演出之外，每个演奏家都必须录音，必须走进录音室对着机器表演，否则是不可能有艺术生涯的。但是舞台和录音室的环境差别、表演时不同的心理，还是存在的。如我前面的分析，我觉得最有利于演奏家正常发挥、自然发挥的，仍是传统的表演舞台，而非录音室。在录音室里，除非演奏家能调整好心态，以一种放松、自然的、接近舞台表演的心态去制作录音，否则的话，越是抱着“制作出完美录音版本”的心态，可能越是只会炮制出缺乏魅力的“音乐标本”。  

那种听上去很精确无误、但是和演奏家的现场表演差异很大的录音，算成功吗？我觉得相反，应该算是失败。成功的唱片录音不是那种“最标准演绎”，而是能忠实记录下演奏家的风采、个性、感染力的录音。有些古典音乐的录音，不是在录音棚里，而是在传统的音乐厅进行的，而且录制时有真实的听众在场，这也能给演奏家营造更好的表演气氛。

小白

有一种反例，值得专门提及，就是以Glenn Gould等少数艺术家为代表的专门的“录音室演奏家”。他们在录音室里泡的时间远远超过在舞台上表演的时间，是录音室专业户。Glenn Gould早期是一个比较正常的演奏家，但到后来就越来越沉迷于录音室，甚至干脆不进行现场表演了，专门躲在录音室里研究炮制录音。于是他们变成了一种更适应录音室的演奏家。必须承认这样的反传统的演奏家，虽然少，但确实是存在的。随着录音工业的发展深化，这种艺术家或许还可能增多。

对这种演奏家，我前面阐述的可能都不适用了——假如一个演奏家基本放弃舞台表演了，那么他们制作出的唱片录音，就是他们的艺术生命的记录。  

nstmd

是的。

zsmzsm

我觉得和录音环境也有关系。
现场录音的环境是不确定的，虽多在音乐厅，但也时常在礼堂，教堂，或私人场所。而每个场所的空间大小，结构布局，装饰材料都不尽相同，带来了音响条件的差异。好的现场录音可以相对真实的还原现场环境。比如霍洛维茨晚年在dg录制的那几张著名的现场录音，有在专业演奏厅，有在音乐学院，也有在家中，可以很明显的感觉到由于环境变化造成声音上的差异，潜移默化中也改变了唱片的气质。这些不确定性增加了录音品控的难度，却使每一张现场录音变得独一无二，也让我们将cd放到托盘后多了份期待感。
另外，现场时不时出现的掌声，咳嗽声，挪动椅子的声音，甚至观众中途离场关门的声音，这些元素给予我们在聆听时有较好的代入感和画面感，甚至连表演者的演奏也多了几分鲜活度。

园丁

演奏家的心态，可能也是重要原因。

音乐会现场，满座的听众都是买了票的。演奏家不用顾虑经济后果，只需要演得让听众高兴，所以艺术的考虑应该多一些；而且也更放松，敢自由发挥一些。

录音室录音，是个还没有完成的产品，演奏家必然会考虑以后的销路。经济上的考虑肯定比现场演奏时要多，自然也会更小心谨慎一些。

当然都是我个人的猜测。

awshwl

录音室作品大多是用剪出来的，也就是说哪一段不爽，可以反复录到自己满意的。于是这无论如何都是“精雕细琢”的成果了，而“精雕细琢”一定缺乏“一气呵成”的感觉得。

大金声色

那么，不妨拿流行音乐的情况做个参考，唱流行歌曲的歌星，也有现场版的CD和录音室制作的CD，除了现场和观众的交流或者粉丝们的跟唱、欢呼以外，歌星的演唱水平也同古典音乐家一样，有现场和录音室的差别吗？

music-sam

换个逻辑来推测，录音室里演奏家可以精力专注于完美的细节！

小白

大金声色 发表于 2015-9-7 16:14
那么，不妨拿流行音乐的情况做个参考，唱流行歌曲的歌星，也有现场版的CD和录音室制作的CD，除了现场和观众 ...

流行音乐有一个差别点：流行歌曲的录音室制作音质会比现场好很多。不在一个层面上。录音室里伴奏的电声乐器都是直接编辑进音效的，而在现场伴奏很难录好，流行音乐会的现场情况不象古典音乐会那么规整，场地可能很不理想。   

music-sam

这种话题不能“一刀切”的论述，最好结合每张碟片的听感来讨论和分析。

真正的音乐大师在演奏和录音时，需要考虑的因素很多，关注的重点也有偏差，比如，要么着重于作品原作者的“意境”，要么着重于演奏家对曲目的二度加工。。。甚至，如果允许的话，还可以接纳录音师对作品精神的把握而主动参与的再加工手段。如此说来，一张碟片反映的早已不是作曲者、演奏者，或录音师的单一表现力，而是诸种元素互动的产物。。。。听者要听出真伪虚实，该怎么选择？

MissChen

楼上想得真多……真厉害……

ramos

别管他，那就是个傻逼