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1985年的一张现场录音

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1964年，Callas在朋友的劝说下，前往科文特花园，参演了由泽菲雷里制作的《托斯卡》。人们为了一睹她的舞台风采，在票房前排了5天5夜的队……很幸运，演出的第二幕被录了下来，见于EMI的《Callas in Covent Garden 1962 and 1964》。这是一场神奇的演出，Callas爆发出了惊人的激情，所有演员都被她所感染，小号抒情男高音Cioni也展现出了戏剧性的一面。不久，小公司出的这次演出的海盗录音，流向市场，销售一片大好。

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《D大调第二号交响曲》完成于1902年，虽然有受到勃拉姆斯《第二交响曲》(也是D大调，而且配器几乎相同)和贝多芬《第五交响曲》的影响，但西贝柳斯在音乐语言上，却有鲜明的个人色彩，尤其偏好踏步一般的旋律架构和音阶和声，赋予音乐一种明显的庄严感。就情感层面而言，《第二交响曲》和其他交响曲截然不同，乐曲中洋溢着变化多端的芬兰民族精神，能快速地在乐观和悲观两极之间转化。
第一乐章的田园心境很快地变得混乱。旋律有些只是零星的音符，而不是成熟圆满的主题，似乎是杂乱地攀升，又散乱地消失。在漫无章法的背后，是微妙连贯的承续，乐章的所有内容若不是来自两个在开头以弦乐与木管奏出的重复音符主题，就是来自木管和铜管的沉思。而在回到一开始那种轻柔温和前，有一段波澜壮阔的高潮。在行板乐章，西贝柳斯在两个相竞争的不同调性主题之间，制造强烈的冲突。第一个主题以挽歌般的d小调(表情标示为“悲哀地”)，以八度音的巴松管配合忽隐忽现的低音大提琴拨奏，而木管和铜管则制造攀升的高潮；第二主题是弦乐二部演奏的虚无飘渺的升F大调，传递出一种柔和、怯懦的精神，充满痛苦与救赎的希望。西贝柳斯的手稿原就标明了死亡和基督这两个主题，但乐章到结尾时仍充斥着混乱，而且缺乏慰籍，似乎意味着胜利者仍是“死亡”。
谐谑曲乐章表现出机关枪一般的弦乐装饰音，因而产生显著的活力。虽然三重奏中木管充满田园风味的主题大多以重复的单一音符为主，但却代表极强烈的对比。依循着贝多芬《第五交响曲》的先例，直接经由华丽装饰音的桥梁，导入终乐章；该乐章传承了浪漫主义的传统：在单调的节奏上配以恢宏的旋律，使D大调从沉重的d小调中脱颖而出。西贝柳斯再次像贝多芬那样，重现转调的乐句。因此，大调的胜利听起来别有一番风味。之后他以赞美诗般的旋律来总结全曲。这是西贝柳斯最后一次的仿古之作，在后来的作品里，他将专注于追求形式上的简洁，以及使这首交响曲的前两个乐章别具特色的自我表现方式。

《С大调第三号交响曲》创作于1904至1907年间，此时期正是西贝柳斯思索摆脱先前的浪漫风格，逐渐朝向精简的古典样式的转换时期，而第三号交响曲正是开启此一转换期的试金石。尽管先前的两首交响曲，就已经获得相当不错的评价，却依然摆脱不了受到柴可夫斯基影响的浪漫语法。而这首以三个乐章构成的第三号交响曲，不但在形式上精简化，配器上也以简洁不多加音色渲染的方式呈现，就连调性都选择古典时期最常见的C大调。这个被喻为“光明”的调性，除了舒曼的第二号交响曲是以此为根基外，几乎所有浪漫时期著名的交响曲，都有意无意的避开此“光明”的调性，足见西贝柳斯在创作上的思考方向，从一开始的布局与整体的结构上，都朝向一种形似“古典主义”的新美学观。事实上，这样的一个观念早已存在于西贝柳斯的想法之中，并且深受他早期所结识的好友之一——意大利作曲兼钢琴家布索尼(Ferruccio Busoni)，所致力提倡的“新式古典主义”(jungen Klassizitat，或称为“年轻古典主义”，与后来的“新古典主义 Neo-classicism”不同)的影响。

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爱德华•范•贝奴姆（Eduard Van Beinum,1900–1959年），Beinum出生 荷兰的阿纳姆 在童年接受了小提琴和鋼琴教育。 1918年作为小提琴手加入了阿纳姆乐队。 他的祖父是一个军乐队的指挥。 他的父亲在地方交响乐团， Arnhemse Orkest (最新Het Gelders Orkest)演奏低音提琴。 他的兄弟Co van Beinum也是小提琴手。 作為一名學生在阿姆斯特丹音樂學校。

1929年在阿姆斯特丹首先指揮Concertgebouw乐队。 1931年他成為了Concertgebouw的第二指揮，1938年他被任命为co主要指揮，接替Mengelberg。
1947年他收到了伦敦爱乐的邀请 (LPO)，但在二個成功的季節以後離開。
1954年Beinum举办了他的美国首演，与费城交响乐团 。1954年他在它的第一次美國巡演中後回到了了Concertgebouw乐团。并且从阿姆斯特丹大學接受了名譽博士學位。 1956年到1959年开始担任洛杉矶交响乐团指挥。


1959年4月13日早晨，与RCO一同排练Brahms之First Symphony时，Van Beinum心脏病突发，结束了其生命和成功的指挥生涯。他的葬礼在荷兰电视台上播出，同一晚的缅怀音乐会则由Van Beinum最喜欢的年轻指挥家——Bernad Haitink指挥。

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布鲁赫的g小调第一小提琴协奏曲是一部脍炙人口的小提琴名曲，它感情丰富、浪漫抒情，深受人们的喜爱，是音乐会上经常演奏的曲目。在音乐爱好者圈定的“十大小提琴协奏曲”里它占有一席，与门德尔松的e小调第一小提琴协奏曲在表情方式上同属一类，优美而浪漫，旋律性强，容易使音乐爱好者上口，在出版的唱片中，这两首协奏曲经常被编辑在一起。

　　布鲁赫的第一小提琴协奏曲与门德尔松的小提琴协奏曲不仅在浪漫风格上近似，在其它方面也有一些有趣的联系。这两部协奏曲的第二乐章，也就是柔板乐章都写得异常恬美温柔，可以把人引入一种半催眠状态，心理学家把这两个柔板乐章与其它一些音乐的慢乐章编在一起，用于心理临床实验，一个作用是制造一种心理环境，进行语言记忆训练，另一个作用是克服失眠。此外，布鲁赫由于写过一首大提琴与乐队的《希伯莱祷歌》，在纳粹德国时期被认为是亲犹太者，作品遭到禁演，门德尔松的小提琴协奏曲此时也被禁演，理由是门德尔松有犹太血统。

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许多钢琴爱好者的眼里，魏森博格技术上无懈可击，充满男性气质，十指触键犹如钢铁般冷峻坚硬，与许多以温暖琴音滋润人心的钢琴家迥然有别。因此，这也给他带来了不小的争议。对此，他自己曾说：“我不知道，为什么那么多人会诟病我的演奏风格。当我还是一个小孩子的时候，学校的老师告诉我：蜡烛的火焰中，橙黄色的部分是真正燃烧着的；而其中蓝色的部分，像冰一样冷。人也是类似的。或许正是我那冰冷的蓝色火焰吓退了好一拨人吧。”

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The Birds

    《鸟》为雷斯庇基所作的小乐队组曲，作于1927年，取材于17-18世纪为鲁特琴与大键琴而作的有关鸟的乐曲，共5个乐章:1.前奏曲(Preludio )，据帕斯奎尼(Pasquini)的作品改编。2.鸽子(The Little Pigeon)，据加洛特(C}llot)的作品改编。3母鸡(The Little Hen )，据拉莫( Rameau)的作品改编。4夜莺( TheVightingale)，据阿依(Anon)的作品改编。5.杜鹃(The ('uckoo)，据帕斯奎尼的作品改编。

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洛林·马泽尔（Lorin Maazel，1930－2014），美籍法国指挥家、作曲家、小提琴家。马泽尔1930年3月6日生于巴黎市西郊市镇纳伊。5岁开始随莫德伦(K.Moldrem）学小提琴，7岁跟阿米蒂奇(F.Armitage）学钢琴。此外，马泽尔对乐队指挥尤感兴趣，经常随家人去观赏各种大小型的交响乐音乐会演出，次年跟洛杉矶爱乐乐团副指挥巴·卡莱尼科夫学指挥。

1938年7月13日，年仅8岁的马泽尔竟然上台指挥到访的爱达荷大学乐团演出舒伯特的《第八交响曲》；同年，巴·卡莱尼科夫出任匹兹堡交响乐团助理指挥，马泽尔也举家随赴匹兹堡居住。

1938年8月18日，马泽尔在纽约万国博览会上指挥因特洛琴乐团演出了门德尔松的《第四交响曲》（意大利），同年应指挥大师托斯卡尼尼之邀，在好莱坞音乐厅指挥洛杉矶爱乐乐团演出了柴科夫斯基的《斯拉夫舞曲》。

11－12岁时，他接连指挥了NBC交响乐团、纽约爱乐乐团、蒙特利尔交响乐团、费城乐团、旧金山市交响乐团等。马泽尔惊人的指挥才能，被人们誉为神童指挥家。

1946年，16岁的马泽尔正式进入匹兹堡大学专攻语言学、数学和哲学，同时，他以小提琴家的身份出现在音乐舞台上，经常举行独奏会，也搞弦乐四重奏。1948－1951年期间，他借在匹兹堡交响乐团拉小提琴之机，担任过乐团助理指挥。

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在江边熬浆糊

还在 发表于 2017-9-10 19:34
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沃尔顿的小提琴协奏曲是由作曲家本人为海菲兹量身定作的，而且也由海菲兹亲自担任首演，并在当时都获得了极大的成功。

协奏曲在1939年由Heifetz和Rodzinski首演，并在1941年留下了第一个录音。1950年该曲又沃尔顿亲自指挥留下了第二次录音。相比之下，第二次录音的效果不仅音效更佳，乐队合作也更加和谐。该协奏曲很像西贝柳斯的协奏曲风格，兼有极繁难的技巧和极优美的旋律。虽然如今有很多沃尔顿协奏曲的录音，这个版本几乎是不可超越的。

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1988年10月，同名专辑Passio问世，专辑中的该首作品是由帕特的传记作家――英国著名音乐学家、指挥家兼导演PaulHillier鲍.希勒先生执棒，并由世界著名的TheHilliardEnsemble（西利亚德合唱团）倾情演出。当年，该唱片在芬兰唱片界创造了辉煌的记录。

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公爵和乐队

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“作为齐默尔曼最心爱的作品和自己亲手组建的乐团的完美结合，这张唱片毫无疑问成为了半个世纪以来最好的肖邦协奏曲版本。齐默尔曼早年拿下肖赛冠军时曾与Giulini合作并出了一张唱片，随着岁月增长，齐默尔曼对这两首作品的理解发生了微妙的变化，在经历了20多年演奏肖邦的生涯后，在肖邦逝世150周年纪念日到来前，齐默尔曼重新录制了这2首协奏曲，他首先组建乐队，从350名申请者中选出50名年轻的波兰演奏家，其中不少人都有作为独奏家或重奏团员的生涯。他们都赞赏齐默尔曼，能不计时间、不计报酬来帮助齐默尔曼实现他的梦想，这张CD就是在这样的条件下录制完成的。经历20年的风雨后，齐默尔曼成熟与理性控制下的浪漫和细腻与日俱增。他的分句与触键都更为细腻多变了，强弱鲜明的对比更显出戏剧性的张力，也许是年龄的关系吧，音符中多了许多感怀的忧伤，淡淡的愁夹杂着甜蜜，脆弱却怀有沉思的气质。感人至深，也让人黯然销魂。”

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"Joe Henderson绝对是一位好好先生。打从他于六三年退伍后，便一直效力于Blue Note公司，成为其中一位录音产量最为丰富的萨斯风手。1987年Joe Henderson被名制作Michael Cuscuna力邀重投Blue Note，录制了一辑在Village Vanguard的现场录音作品《The State of The Tenor》。九十年代的Joe Henderson终被具市场说服力的包装，而获得广大爵士乐迷的青睐，甚至赢得了葛莱美爵士奖项。可幸的是，不论在任何乐风队型之下，Joe Henderson的吹奏，依旧是在Blue Note中所认识的Joe Henderson。现今的Joe Henderson虽然年岁已大，但他的创作慾望并未因此而减低，从他整个演奏生涯来看，Henderson其实也要到了90年代之后，才获得与他实质成就相符的肯定与崇敬。除了1992、1993年连续两年获得重拍杂志（Down Beat）乐评最佳乐手的奖项之外，92年他的名气甚至可以大到可以在各大小杂志，上至New York Times下到Newsweek上看到关于他的报导，1993年还荣获白宫的邀请参加演出，除了John Coltrane与Sonny Rollins两位萨克斯风大师之外，Joe Henderson可以说是另外一位70年代影响深远的另一位爵士巨匠。"